Foto: Naturhistorisches Museumi loal

Kunstiajaloo skulptuur, see pisike kujuke, mille kõrgus on veidi üle nelja tolli, avastati 1908. aastal Austrias. Keegi ei tea, mis funktsiooni see täitis, kuid oletusi on tehtud viljakusejumalannast masturbatsioonivahendini. Mõned teadlased väidavad, et see võis olla naise tehtud autoportree. See on paljudest vanast kiviajast pärit objektidest kuulsaim.

Foto: CC/Wiki Media/Philip Pikart loal

See portree on olnud naiseliku ilu sümbol alates sellest, kui see esmakordselt 1912. aastal avastati Vana-Egiptuse ajaloo kõige vastuolulisema vaarao Ehnatoni pealinna Amarna varemetest. Tema kuninganna Nefertiti elu on müstiline: arvatakse, et ta valitses vaaraona mõnda aega pärast Ehnatoni surma või tõenäolisemalt poisskuningas Tutanhamoni kaasregendina. Mõned egüptoloogid usuvad, et ta oli tegelikult Tuti ema. Arvatakse, et see krohvkattega paekivist büst on Ehnatoni õukonnaskulptori Thutmose kätetöö.

Foto: loal CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

1974. aastal avastatud terrakotaarmee on tohutu savikujude peidul, mis on maetud kolme massiivsesse auku Hiina esimese keisri Shi Huangi haua lähedal, kes suri 210. aastal eKr. Armee, mis on mõeldud teda kaitsma hauataguses elus, arvatakse olevat rohkem kui 8000 sõdurit koos 670 hobuse ja 130 vankriga. Igaüks neist on elusuuruses, kuigi tegelik pikkus varieerub olenevalt sõjaväelisest auastmest.

Foto: CC/Wiki Media/LivioAndronico loal

Võib-olla Rooma antiikaja kuulsaim skulptuur,Laocoön ja tema pojadkaevati algselt välja Roomas 1506. aastal ja viidi Vatikani, kus see elab tänaseni. See põhineb müüdil Trooja preestrist, kelle tappis koos oma poegadega merejumal Poseidoni saadetud meremadud kättemaksuks Laocoöni katse eest paljastada Trooja hobuse kavalus. Algselt keiser Tituse paleesse paigaldatud elusuuruses kujundlik rühmitus, mis omistati kolmele Rhodose saarelt pärit Kreeka skulptoritele, on inimkannatuste uurimusena konkurentsitu.

Foto: loal CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Üks kunstiajaloo kõige ikoonilisemaid teoseid, Michelangelo David sai alguse suuremast projektist, mille eesmärk oli kaunistada Firenze suure katedraali Duomo tugipostid Vanast Testamendist võetud figuuride rühmaga. TheDavidoli üks ja selle algatas tegelikult 1464. aastal Agostino di Duccio. Järgmise kahe aasta jooksul õnnestus Agostinol osa Carrara kuulsast karjäärist raiutud tohutust marmoriplokist enne 1466. aastal peatumist välja teha. (Keegi ei tea, miks). töötas selle kallal lühidalt. Marmor jäi puutumatuks järgmised 25 aastat, kuni Michelangelo jätkas selle nikerdamist aastal 1501. Ta oli siis 26-aastane. Kui ta oli valmis, kaalus David kuus tonni, mis tähendab, et seda ei saanud katedraali katusele tõsta. Selle asemel pandi see välja Firenze raekoja Palazzo Vecchio sissepääsu juurde. Figuuri, mis on kõrgrenessansi stiili üks puhtamaid destillatsioone, võttis Firenze avalikkus kohe omaks kui sümboliks linnriigi enda vastupanule tema vastu seatud jõudude vastu. 1873. aastalDavidviidi Accademia galeriisse ja koopia paigaldati selle algsesse asukohta.

Foto: loal CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Kõrg-Rooma barokkstiili algatajana tunnustatud Gian Lorenzo Bernini lõi selle meistriteose Santa Maria della Vittoria kiriku kabeli jaoks. Barokk oli lahutamatult seotud vastureformatsiooniga, mille kaudu katoliku kirik püüdis peatada 17. sajandi Euroopas levivat protestantismi. Sellised kunstiteosed nagu Bernini oma olid osa programmist, mille eesmärk oli kinnitada paavstlikku dogmat, mida Bernini geenius on siin hästi teeninud religioossete stseenide dramaatiliste narratiividega immutamiseks.EkstaasSee on näide: selle teema – Püha Teresa Ávilast, Hispaania karmeliit nunn ja müstik, kes kirjutas oma kohtumisest ingliga – on kujutatud just siis, kui ingel hakkab noolt tema südamesse söösta.Ekstaaserootilised ülemtoonid on ilmselgelt nunna orgastilises ilmes ja mõlemat figuuri ümbritsevas väänlevas kangas. Arhitekt ja kunstnik Bernini kujundas ka kabeli kujunduse marmorist, krohvist ja värvist.

Foto: Metropolitani kunstimuuseumi / Fletcheri fondi loal

Itaalia kunstnikku Antonio Canovat (1757–1822) peetakse 18. sajandi suurimaks skulptoriks. Tema töö kujutas endast neoklassikalist stiili, nagu näete tema kreeka müütilise kangelase Perseuse marmorist esituses. Canova tegi teosest tegelikult kaks versiooni: üks asub Roomas Vatikanis, teine ​​aga Metropolitani kunstimuuseumi Euroopa skulptuurikohtus.

Foto: Metropolitani kunstimuuseum

Kuigi impressionistlik meister Edgar Degas on enim tuntud maalikunstnikuna, töötas ta ka skulptuuri alal, pakkudes vaieldamatult tema loomingu kõige radikaalsemat tööd. Degas moodneVäike neljateistkümneaastane tantsijavahast (millest valati pärast tema surma 1917. aastal pronkskoopiad), kuid tõsiasi, et Degas riietas oma samanimelise subjekti tegelikku balletikostüümi (koos pihiku, tuti ja sussidega) ja ehtsatest juustest parukas, tekitas sensatsiooni, kuiTantsijadebüteeris 1881. aasta kuuendal impressionistlikul näitusel Pariisis. Degas otsustas katta enamiku oma kaunistustest vahaga, et need sobiksid tüdruku ülejäänud näojoontega, kuid ta jättis nii tuti kui ka tema juukseid toetava lindi, mis tegi figuurist ühe esimese leitud eseme näite. art.Tantsijaoli ainus skulptuur, mida Degas oma eluajal eksponeeris; pärast tema surma leiti tema ateljees virelemas veel umbes 156 eksemplari.

Foto: Philadelphia kunstimuuseumi loal

Kuigi enamik inimesi seostab suurepärast prantsuse skulptori Auguste RodinigaMõtleja, see ansambel, mis meenutab Suurbritannia ja Prantsusmaa vahelise Saja-aastase sõja (1337–1453) vahejuhtumit, on skulptuuriajaloos olulisem. Tellitud pargi rajamiseks Calais' linna (kus aastal 1346 lõpetati inglaste aasta kestnud piiramine, kui kuus linnavanemat pakkusid end hukkamiseks vastutasuks elanikkonna säästmise eest),Burgeridvältis tolleaegsetele monumentidele omast vormingut: kõrge pjedestaali otsa isoleeritud või püramiidi kuhjatud figuuride asemel pani Rodin oma elusuuruses subjektid kokku otse maapinnale, vaatajaga samal tasemel. See radikaalne liikumine realismi poole murdis kangelasliku käsitluse, mida tavaliselt sellistele välitöödele omistati. KoosBurgerid, astus Rodin ühe esimesi samme kaasaegse skulptuuri poole.

Foto: CC/Flickr/Wally Gobetz

1912. aastal lõi Picasso papist maketi tükist, mis avaldas 20. sajandi kunstile tohutut mõju. Ka MoMA kollektsioonis kujutas see kitarri, teemat, mida Picasso sageli maalides ja kollaažides uuris, ning mitmes mõttesKitarrkandis kollaaži lõikamise ja kleepimise tehnikad kahest mõõtmest kolmele. Sama tegi see ka kubismi puhul, koondades lamedaid kujundeid, et luua mitmetahuline vorm nii sügavuse kui ka mahuga. Picasso uuenduseks oli hoiduda tavapärasest tahkest massist skulptuuri nikerdamisest ja modelleerimisest. Selle asemelKitarroli konstruktsioonina kokku kinnitatud. See idee kajastuks vene konstruktivismist kuni minimalismini ja kaugemalegi. Kaks aastat pärast selle valmistamistKitarrpapist lõi Picasso selle versiooni lõigatud tinast

Foto: Metropolitani kunstimuuseum

Itaalia futurism vapustas oma radikaalsest algusest kuni viimase fašistliku kehastuseni maailma, kuid ükski teos ei kujutanud liikumise puhast deliiriumi näidet kui see skulptuur, mille üks selle juhtivaid tulesid: Umberto Boccioni. Maalikunstnikuna alustades hakkas Boccioni tegelema kolmemõõtmelise tööga pärast 1913. aasta reisi Pariisi, kus ta tuuritas mitmete selle perioodi avangardskulptorite, nagu Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villoni ja Alexander Archipenko stuudiotes. Boccioni sünteesis nende ideed sellesse dünaamiliseks meistriteoseks, mis kujutab kulgevat figuuri, mis on seatud liikumise "sünteetilisesse järjepidevusse", nagu Boccioni seda kirjeldas. Teos loodi algselt kipsist ja valati oma tuttavasse pronksist versiooni alles 1931. aastal, palju pärast kunstniku surma 1916. aastal Itaalia suurtükiväerügemendi liikmena Esimese maailmasõja ajal.

Foto: CC/Flickr/Steve Guttman NYC loal

Rumeenias sündinud Brancusi oli 20. sajandi alguse modernismi üks olulisemaid skulptoreid ja tõepoolest kogu skulptuuriajaloo üks olulisemaid kujusid. Omamoodi proto-minimalistlik Brancusi võttis vormid loodusest ja muutis need abstraktseteks esitusteks. Tema stiili mõjutas tema kodumaa rahvakunst, mis sageli esines elavate geomeetriliste mustrite ja stiliseeritud motiividega. Samuti ei teinud ta vahet objektil ja alusel, käsitledes neid teatud juhtudel vahetatavate komponentidena – lähenemine, mis kujutas endast olulist murdumist skulptuuritraditsioonidega. See ikooniline teos on portree tema modellist ja väljavalitu Margit Pogányst, Ungari kunstitudengist, kellega ta kohtus Pariisis 1910. aastal. Esimene iteratsioon nikerdati marmorisse, millele järgnes kipskoopia, millest valmistati see pronks. Krohvi ennast eksponeeriti New Yorgis 1913. aasta legendaarsel relvastusnäitusel, kus kriitikud seda mõnitasid ja pillutasid. Kuid see oli ka saate kõige enam reprodutseeritud tükk. Brancusi töötas erinevate versioonide kallalMlle Poganyumbes 20 aastat.

Foto: kaasaegse kunsti muuseumi loal

Jalgratta rataspeetakse Duchampi esimeseks revolutsiooniliseks valmistööks. Kui ta aga oma Pariisi stuudios teose valmis sai, polnud tal aimugi, kuidas seda nimetada. "Mul tuli õnnelik idee kinnitada jalgratta ratas köögitooli külge ja vaadata, kuidas see pöörleb," ütles Duchamp hiljem. Kulus 1915. aasta reis New Yorki ja kokkupuude linna tohutu tehases valmistatud kaupade toodanguga, enne kui Duchamp tuli valmis terminiga. Veelgi olulisem on see, et ta hakkas nägema, et traditsioonilisel käsitsi valmistatud kunsti tegemine tundus tööstusajastul mõttetu. Ta väitis, et milleks vaeva näha, kui laialdaselt kättesaadavad valmistatud tooted võiksid selle töö ära teha. Duchampi jaoks oli kunstiteose idee olulisem kui selle valmistamise viis. See arusaam - võib-olla esimene kontseptuaalse kunsti näide - muudaks täielikult kunstiajaloo edasi. Sarnaselt tavalisele majapidamisesemele siiski originaalJalgratta ratasei jäänud ellu: see versioon on tegelikult koopia aastast 1951.

Foto: Whitney Ameerika kunsti muuseum, © 2019 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

Whitney muuseumi püsikollektsiooni armastatud seade,Calderi tsirkusdestilleerib mängulist olemust, mille Alexander Calder (1898–1976) tõi ellu kunstnikuna, kes aitas kujundada 20. skulptuuri.Tsirkus, mis loodi kunstniku Pariisis viibimise ajal, oli vähem abstraktne kui tema rippuvad “mobiilid”, kuid omal moel sama kineetiline: valmistatud peamiselt traadist ja puidust,Tsirkusoli improvisatsiooniliste etenduste keskpunkt, kus Calder liikus ümber erinevate kujundite, kes kujutasid moonutajaid, mõõganeelajaid, lõvilaltsutajaid jne nagu jumalakujuline ringmeister.

Foto: J. Paul Getty muuseumi loal

Prantsuse kunstnikku Aristide Maillolit (1861–1944) võiks nii maalikunstniku ja gobelääni kujundajana kui ka skulptorina kirjeldada kui kaasaegset neoklassitsisti, kes pani traditsioonilistele kreeka-rooma kujudele 20. sajandi voolu voolujooneliselt. Teda võib kirjeldada ka kui radikaalset konservatiivi, kuigi tuleb meeles pidada, et isegi avangardi kaasaegsed, nagu Picasso, valmistasid teoseid neoklassitsistlikus stiilis pärast I maailmasõda. Mailloli teemaks oli naisakt jaL'Air, on ta loonud kontrasti oma subjekti materiaalse massi ja selle vahel, kuidas ta näib hõljuvat ruumis – tasakaalustades justkui tõrjuvat kehalisust kaduva kohaloluga.

Foto: CC/Flickr/C-Monster loal

Jaapani kunstnik, kes töötab mitmes meediumis, tuli Kusama New Yorki 1957. aastal, naases 1972. aastal Jaapanisse. Vahepeal kujunes ta kesklinna peategelaseks, kelle kunst puudutas paljusid aluseid, sealhulgas popkunsti, minimalismi. ja etenduskunst. Naiskunstnikuna, kes viitas sageli naiste seksuaalsusele, oli ta ka feministliku kunsti eelkäija. Kusama loomingut iseloomustavad sageli hallutsinogeensed mustrid ja vormide kordused, teatud psühholoogilistes tingimustes – hallutsinatsioonid, OCD – juurdunud kalduvus, mida ta on lapsepõlvest saati kannatanud. Kõik need aspektid Kusuma kunstist ja elust peegelduvad selles teoses, kus tavalist polsterdatud tugitooli haarab närviliselt kokku õmmeldud topiskangast tehtud falliliste mügarikute katkulaadne puhang.

Foto: Whitney Ameerika kunsti muuseum, New York, © 2019 Estate of Marisoli / Albright-Knoxi kunstigalerii / Artists Rights Society (ARS), New York

Lihtsalt eesnime järgi tuntud Marisol Escobar (1930–2016) sündis Pariisis Venezuela vanematele. Kunstnikuna seostus ta popkunsti ja hiljem opkunstiga, kuigi stiililiselt ei kuulunud ta kumbagi rühma. Selle asemel lõi ta kujundlikud tabelid, mis olid mõeldud feministlike satiiridena soorollidest, kuulsustest ja rikkusest. sisseNaised ja koerta võtab enda peale naiste objektistamise ja viisi, kuidas kasutatakse meeste poolt pealesurutud naiselikkuse standardeid, et sundida neid kohanema.

Foto: CC/Flickr/Rocor loal

Brillo Box on ehk tuntuim Warholi 60ndate keskel loodud skulptuuriteoste seeriast, mis viis tema popkultuuri uurimise tõhusalt kolmemõõtmelisse. Nimele, mille Warhol oli andnud oma ateljeele – tehasele –, palkas kunstnik puusepad töötama omamoodi koosteliiniga, naelutades kokku erinevate toodete, sealhulgas Heinz Ketchupi, Kelloggi maisihelveste ja Campbelli supi jaoks karbikujulised puitkastid. hästi Brillo seebipadjad. Seejärel värvis ta iga kasti originaalile vastava värviga (Brillo puhul valge), enne kui lisas siiditrükis tootenime ja logo. Mitmekordselt loodud kaste näidati sageli suurte virnadena, muutes mis tahes galerii, kus nad olid, lao kõrgkultuuriliseks faksiimileiks. Nende kuju ja seeriatoodang oli võib-olla toona tekkiva minimalistliku stiili noogutus või paroodia. Kuid tegelik mõteBrillo kaston see, kuidas selle lähendamine tegelikule asjale õõnestab kunstilisi tavasid, andes mõista, et tööstuskaupadel ja kunstniku ateljees tehtud töödel pole tegelikku vahet.

Foto: CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Juddi nimi on sünonüümiks minimalistlikule kunstile, 60. aastate keskpaiga liikumisele, mis destilleeris modernismi ratsionalistliku pinge põhilisteks. Juddi jaoks tähendas skulptuur teose konkreetse kohaloleku väljendamist ruumis. Seda ideed kirjeldati terminiga "konkreetne objekt" ja kuigi teised minimalistid võtsid selle omaks, andis Judd sellele ideele vaieldamatult puhtaima väljenduse, võttes kasti oma allkirjavormina. Sarnaselt Warholiga tootis ta neid korduvate üksustena, kasutades tööstuslikust tootmisest laenatud materjale ja meetodeid. Erinevalt Warholi supipurkidest ja Marilynsidest ei viita Juddi kunst millelegi väljaspool iseennast. Tema "virnad" kuuluvad tema tuntumate teoste hulka. Igaüks neist koosneb tsingitud lehtmetallist valmistatud identsete madalate kastide rühmast, mis ulatuvad seinast välja, et luua ühtlaselt paigutatud elementide sammas. Kuid maalrina alustanud Juddit huvitasid värvid ja tekstuur samamoodi kui vorm, nagu on näha iga kasti esiküljele kantud roheliselt toonitud autolakiga. Juddi värvide ja materjalide koosmõju annabPealkirjata (virn)nõudlik elegants, mis pehmendab selle abstraktset absolutismi.

Foto: CC/Flickr/Rocor loal

Nagu Benglis, oli ka Hesse naiskunstnik, kes filtreeris postminimalismi läbi vaieldamatult feministliku prisma. Lapsena natsi-Saksamaalt põgenenud juut uuris orgaanilisi vorme, luues tööstuslikust klaaskiust, lateksist ja köiest tükke, mis kutsusid esile naha või liha, genitaale ja muid kehaosi. Tema tausta arvestades on ahvatlev leida sellistes teostes nagu see teos trauma või ärevuse allhoovust.

Foto: kaasaegse kunsti muuseumi loal

Juddi ja Flavini järel lahkus rühm kunstnikke minimalismi puhaste joonte esteetikast. Selle postminimalistliku põlvkonna osana pani Richard Serra konkreetse objekti kontseptsiooni steroididele, suurendades oluliselt selle ulatust ja kaalu ning muutes gravitatsiooniseadused idee lahutamatuks osaks. Ta lõi tonnides kaaluvatest teras- või pliiplaatidest ja torudest ebakindlad tasakaalustavad aktid, mis andsid tööle ohtliku tunde. (Kahel korral hukkusid või sandistasid Serra osi paigaldavad riggerid, kui teos kogemata kokku kukkus.) Viimastel aastakümnetel on Serra teos võtnud kasutusele kõverjoonelise täpsustuse, mis on muutnud selle ülipopulaarseks, kuid alguses töötab see nagu One Ton Prop (House) of Cards), millel on neli kokku nõjatud pliiplaati, edastas oma mured jõhkra otsekohesusega.

Foto: loal CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Järgides üldist vastukultuurilist suundumust 1960. ja 1970. aastatel, hakkasid kunstnikud mässama galeriimaailma kommertslikkuse vastu, arendades radikaalselt uusi kunstivorme, nagu mullatööd. Tuntud ka kui maakunst, selle žanri juhtfiguur oli Robert Smithson (1938–1973), kes koos selliste kunstnikega nagu Michael Heizer, Walter De Maria ja James Turrel seikles Ameerika Ühendriikide lääneosa kõrbetesse, et luua monumentaalseid teoseid, mis tegutsesid kooskõlas ümbritsevaga. See kohaspetsiifiline lähenemine, nagu seda hakati nimetama, kasutas sageli otse maastikust võetud materjale. Nii on ka Smithsoni puhulSpiraalne sadamasild, mis ulatub järve kirdekaldal asuvast Rozel Pointist Utah' Great Salt Lake'i. Valmistatud mudast, soolakristallidest ja kohapeal ekstraheeritud basaldist,Spiraalsilla mõõdud1500 x 15 jalga. See oli aastakümneteks järve all, kuni 2000. aastate alguse põud selle uuesti pinnale tõi. 2017. aastalSpiraalne sadamasildnimetati Utah' ametlikuks kunstiteoseks.

Foto: CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier loal

Prantsuse päritolu kunstniku tunnusteos,Ämblikloodi 1990. aastate keskel, kui Bourgeois (1911-2010) oli juba kaheksakümnendates eluaastates. See on olemas paljudes erineva ulatusega versioonides, sealhulgas mõned, mis on monumentaalsed.Ämblikon mõeldud austusavaldusena kunstniku emale, gobeläänide taastajale (sellest ka vihje ämblikulaadse kalduvusele võrke keerutada).

Shutterstock

1994. aastal maineka Turneri auhinna võitja Antony Gormley on üks Ühendkuningriigi kuulsamaid kaasaegseid skulptoreid, kuid ta on kogu maailmas tuntud ka oma unikaalse kujundliku kunsti kontseptsiooni poolest, millel põhinevad suured mastaabi- ja stiilivariatsioonid. suuremalt jaolt samal mallil: Valatud kunstniku enda kehast. See kehtib selle tohutu tiivulise monumendi kohta, mis asub Kirde-Inglismaal Gatesheadi linna lähedal. Asub suure maantee ääres,Ingeltõuseb 66 jala kõrgusele ja ulatub tiivaotsast tiivaotsani 177 jala laiuselt. Gormley sõnul on teos mõeldud kui sümboolne marker Suurbritannia tööstusliku mineviku (skulptuur asub Inglismaa söemaal, tööstusrevolutsiooni südames) ja postindustriaalse tuleviku vahel.

Lubatud CC/Flickr/Richard Howe

Chicagolased kutsuvad teda hellitavalt "oaks" selle painutatud ellipsoidse vormi tõttu,Pilvevärav, Anish Kapoori avalik kunstiteos Teise linna aastatuhande pargi jaoks, on nii kunstiteosed kui ka arhitektuur, pakkudes pühapäevastele jalutuskärudele ja teistele pargi külastajatele Instagrami jaoks valmis võlvkäiku. Valmistatud peegelterasest,PilveväravLõbumaja peegeldusvõime ja laiaulatuslikkus teeb sellest Kapoori tuntuima teose.

Lubatud kunstnik ja Greene Naftali, New York

Rachel Harrisoni teoses on ühendatud täiuslik formalism ja oskus anda abstraktsetena näivatele elementidele mitmetähenduslik, sealhulgas poliitiline. Ta seab ägedalt kahtluse alla monumentaalsuse ja sellega kaasneva meheliku eesõiguse. Harrison loob suurema osa oma skulptuuridest vahtpolüstüroolist plokkide või plaatide virnastamise ja paigutamisega, enne kui katab need tsemendi ja maalilise õitsengu kombinatsiooniga. Peal olev kirss on mingi leitud objekt, kas üksi või koos teistega. Eeskujuks on see mannekeen pikliku värvipritsmega vormi peal. Keebi ja seljaga näoga Abraham Lincolni maski kandev teos saadab üles ajaloo suurmehe teooria, meenutades iidse maailma vallutajat, kes seisab kõrgel klounivärvi kaljul..